Persépolis

Persépolis es una biografía ilustrada de una joven iraní, que repasa, a la vez que su vida, la historia de su país desde la revolución islámica hasta la inicios de los noventa.

Volumen recopilatorio de Persépolis, en català

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Persépolis 1

Marjane Satrapi, Marji para los lectores, es una chica de diez años en un Irán en cambio. El Sha de Persia es destronado y ocupa su lugar una República Islámica.

Marji, descendiente de familia de clase alta, de padres progresistas, y educada en el liceo francés de Teherán, topa frontalmente con su realidad. A los problemas ya existentes: diferencia de clases, marginación de las mujeres,… Se une ahora el fanatismo integrista: el velo, la prohibición de todo lo “occidental, los cierres de las universidades, o la persecución y asesinato de disidentes,…

La pequeña Marjane Satrapi, dibujada por ella misma

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Persépolis 2

La Guerra Irak-Irán se acerca progresivamente a la convulsa Teherán. Bombardeos, mercado negro, “las guardianas de la fe”, la propaganda bélica,… este es el escenario para una rebelde Marji adolescente. Fascinada por Kim Wilde, Iron Maiden, o la ropa occidental, Marji sigue teniendo acceso a ello gracias a la complicidad de sus padres, o a sus propias arriesgadas incursiones en el mercado negro.

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En la vida te encontrarás con muchos idiotas, si te dañan, te dices a ti misma que es la estupidez lo que los impulsa a hacerlo. Eso evitará que respondas a su maldad. Porque en el mundo no hay nada peor que la amargura y la venganza. Sé siempre digna y fiel a ti misma

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Persépolis 3

Los padres de nuestra protagonista sufren por ella. Tanto, que deciden enviarla a estudiar a Austria, y así alejarla del conflicto. Marji, en el extranjero, descubre un mundo imaginado. Casi un exceso de libertad que la confunde y la aísla. Ella es –y nunca deja de sentirse- una extranjera. Primero intenta esconderlo, disimularlo, pero al final la sensación de estar traicionando a los suyos y un fracaso amoroso la deprimen hasta tocar fondo –literalmente-.

La clase de Marji durante la República Islámica

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Persépolis 4

Incapaz de soportar la ausencia y sin recursos ni amigos a los que recurrir, tras dormir en la calle y acabar en un hospital, Marji vuelve a su Irán natal. No es sólo su tierra lo que necesita, y los primeres meses su depresión aumenta hasta intentar suicidarse.

En Austria era una extranjera, en Irán es alguien que viene del mundo libre.

Finalmente, nuestra Marji logra entrar en la reabierta universidad y estudiar Bellas Artes. Allí conoce un mozo, y aunque el matrimonio a los 21 años rompe su idea de la mujer liberada, se nos casa. Su padre, tipo que merecería un cómic propio, ya intuye que la cosa no irá bien; pero fiel a su filosofía: “cada cual debe aprender de sus propios errores” accede a la boda.

En Irán sigue habiendo censura (no disidentes, pues estos están todos muertos) y la rebelde Marji, finalmente, y tras mucho pensarlo: rompe con su marido y deja su país.

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Uno sólo puede sentir autocompasión cuando nuestras desgracias aún son soportables. Una vez han sobrepasado éste límite, la única forma de soportar lo insoportable es reírse de ello.

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Persépolis: la película

Codirigida y coescrita por la propia Marjane, junto con Vincent Paronnaud, la película de animación en blanco y negro adapta los dos primeros tomos. Y cuenta, en su versión original en francés, con las voces de Catherine Deneuve y su hija Chiara Mastroianni. http://www.filmaffinity.com/es/film144674.html

Persépolis: la peli.
Estrenada en España en octubre del 2007

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FICHA___________

• Título: PERSÉPOLIS
• Autor: Marjane Satrapi
• Editado: Norma Editorial
• Volúmenes: 4 (también en un único volumen recopilatorio)
• Precio: 14,00€ cada uno (25,00€ el tomo único)

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Uzumaki

Uzumaki (espiral en japonés) no tiene nada que ver con la familia de Naruto. Es un manga de terror, de terror japonés.

En el pueblo marítimo de Kurouzu, donde vive Kirie Goshima, empiezan a suceder fenómenos extraños. Algunos habitantes se obsesionan con las enigmáticas y atrayentes formas de las espirales.

Se obsesionan hasta convertir su cuerpo en espirales. Otros hacen todo lo contrario: quieren extirpar de sus cuerpos toda forma espiral. Y otros, sin querer ni una cosa ni otra, acaban fundiéndose en una espiral.

Cariño, ¿te hace un cunilinguis?

El amigo-novio de Kirie, Shuichi, dice, desde el primer episodio, que el pueblo está maldito. Y pese a la evidencia, nadie le hace caso. Y cuando por fin proponen huir por piernas del pueblo, la situación es ya demencial: un estado de anarquía inhumana más propia de un mundo apocalíptico.

Una situación que, como en una espiral, no hay más salida que seguir dando vueltas hacia el centro infinito. Abajo, siempre más abajo en la condición humana.

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La historia central se complemente con episodios satélites, a cada cuál más truculento: el faro del pueblo, los caracoles, el ojo del tornado, y las embarazadas,… hilos narrativos complementarios que esculpen imágenes de pesadilla en la memoria del lector.

Sangre, mi tesoro…

Hay que avisarlo: UZUMAKI planta ante los ojos imágenes espantosas. De delirio y de pesadilla. Escenas desagradables y morbosas, truculentas y sórdidas. ¡Una autentica maravilla!

Recordad dónde hemos aparcado: encima de un niño

Pese a la historia, pese las imágenes que uno quisiera olvidar pero que permanecerán en la memoria mucho tiempo (yo desde luego me mantendré todo lo alejado que pueda de los caracoles), UZUMAKI es un manga de dibujo elegante, agradable (Kirie es muy agradable de ver) y de gran calidad. Ingenioso, atrevido y original como pocos.

Es lo primero que veo/leo de Junji Ito pero lo anoto con ansias de descubrir más.

Junji Ito, un mangaka que no se debe perder de vista

De UZUMAKI hay una adaptación al cine, del director Higuchinsky con guión de Kengo Kaji. http://www.filmaffinity.com/es/film189111.html

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FICHA_________

• Título: UZUMAKI
• Autor: Junji Ito
• Editado: Biblioteca Pachinco (Planeta-DeAgostini)
• Volúmenes: 6
• Precio: 4,95 €.
  

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Harry Potter y McGonagall, años antes de Hogwarts

En el contenido extra de un DVD de la mini serie MADAME BOVARY (Tim Fywell; 2000) producida por la BBC, encontré publicidad de otra mini serie del canal británico. Una adaptación de la obra DAVID COPPERFIELD, de Charles Dickens.

Viendo el trailer, más por darle al botón que por interés, me topé con un jovencísimo Daniel Radcliffe (Harry Potter).

Aquí lo tenéis, joven, bien ataviado, y quizás algo cabezón, pero con sus recordados ojos azules. Interpreta al personaje de David Copperfield de niño.

Una curiosidad (otra) en el reparto de esta mini serie, es la presencia de la actriz Maggie Smith (años más tarde: la profesora McGonagall de Hogwarts). Os dejo una foto de los dos, junto a otro orondo actor.

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El fantasma de la Ópera, de Darío Argento

¡Qué decepción!

¿Cómo es posible que uno de los maestros del cine B, recreando el mito del monstruo subterráneo, nos componga un personaje así?

En la novela de Gaston Lerroux, Erik, el fantasma, es un ser cuyo rostro es tan atroz que su propia madre abandona, que debe vivir detrás de una máscara, ¡es el rostro del espanto!

Darío Argento le otorga el papel a Julian Sand, y le pone una peluca de una larga melena rubia. El resultado es una especie de precursor de Lucius Malfoy (link) o de músico de heavy metal escandinavo.

¿Dónde queda el rostro desfigurado, símbolo inequívoco del fantasma? Lon Chaney, en la versión muda de 1925, con su tortura de alambres que le estiraban los labios y la nariz, mostraba, aún hoy, un rostro francamente desagradable a la vista.

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Aparte de cuatro nombres de personajes, que la acción transcurre en un teatro (y sus sótanos) y que aparecen: un espejo, una charca subterránea, una araña que se desprende, y varios hombres ataviados con capas, del Fantasma de la Ópera de Lerroux no queda nada. De “fantasma” tampoco, pues no hay ni un solo incidente en los 95 minutos que tenga nada de paranormal. Enseguida vemos que es un hombre, alto, rubio y guapo (¿perdón?) quien asesina, amputa, mutila y muerde cual vampiro.

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Un título más acertado seria: “El tipo de las ratas”. Porque de esto trata la película.

Un niño es lanzado al río en una cesta y es salvado por unas ratas que lo crían hasta la edad adulta (¿cómo dices?). De adulto, viviendo en los sótanos del Teatro de la Ópera, se enamora de una cantante suplente, y hace todo lo que está en sus siniestras manos para allanarle el camino del éxito. Tras llevarla a sus dominios y enseñarle su órgano (literal y metafórico) la obliga a vivir con él, es esa atadura, ese compromiso lo que hace que la chica huya y recorra a un pretendiente para que la salve. Pero, ¿de verdad quiere ser salvada del “monstruo”?

Otro título ingenioso para la película podría ser:

El “fantasma” de Darío Argento. Así, con fantasma entre comillas. 😀

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Darío Argento otorga el rol de la joven cantante ingenua, Christine Daaé, a su hija. Asia Argento de ingenua tiene poco, y de cantante de ópera menos. Resulta casi cómica verla fingir el canto, ahogándose en el Fausto. Asia, siempre tan solícita con su padre, nos enseña su trasero y sus pechos.

Es de esperar, como en toda película de “terror B”, una buena dosis de tetas, gritos desgarrados, chorros de sangre, decapitaciones accidentales, y otras mutilaciones sin sentido alguno. Aparte de gran cantidad de animalillos sueltos: aquí son ratas.

Esperaba, lo reconozco, un fantasma de rostro realmente deformado. Un auténtico espanto a la vista. Hubiera sido mejor, más terrorífico al menos, que el propio Darío Argento prestase su cara al fantasma, al ser, como es, un tipo cuya mayor virtud no es un rostro demasiado agraciado (nada que ver con la nínfula de su hija).

Añadir, finalmente, que el ecléctico compositor Ennio Morriconne compone y dirige la banda sonora.

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La pequeña tierra de Dios

God’s Little Acre

(Anthony Mann; 1958 )

El día que se casó, el granjero de Georgia, Ty Ty Walden (Robert Ryan) marco con una cruz “el acre de Dios” (una porción de tierra cuyos cosechas serian para Dios, para la Iglesia).

Ty ha abandonado las cosechas… desde hace quince años, con ayuda de dos de sus hijos, cava en sus tierras en busca del oro que enterró el abuelo.

Un amigo le comenta que la mejor forma de encontrar oro enterrado es usar las facultades especiales de un albino. Ty y sus hijos secuestran uno. Sin saber cómo, el albino parece encontrar el filón, y se dirige a toda prisa hacia “el acre de Dios”

Seria mala suerte que tras quince años de búsqueda, Ty tuviera que entregar el oro a Dios, así que, antes que el albino se detenga, el granjero arranca la cruz que señala la porción para la Iglesia, y la clava en el río.

Éste es el arranque de una irregular película que contiene mucha más calidad y talento que lo que la primera media hora parece mostrarnos.

Esa familia rústica, de primitivos instintos, con su concepción religiosa elemental, llega a resultar cargante y hasta molesta. El personaje de Pluto, un gordinflón que persigue patéticamente a la pequeña de las hijas del granjero (“Dulce Jill”) es quizás el punto más bajo de una película que cuando no parece dar más de sí, empieza a dejar entrever unas palpitaciones de gran talento.

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Una pareja se ama con pasión pero están casados (no entre sí), y enlazados en la misma familia, lo que les obliga a rechazarse, a frenar sus instintos, pero por más que quieran alejarse, algo más fuerte les mantiene unidos. Sus respectivas parejas, que se toman con resignación o rabia este amor, notan que se les escapan de las manos y todo son reproches, celos, y amenazas.

La fábrica del pueblo cierra y el desempleo lanza al alcoholismo a los trabajadores. Uno de ellos tiene el sueño de entrar a hurtadillas en la fábrica y encender de nuevo las máquinas (como si esta pequeña victoria les devolviese automáticamente el trabajo).

El arruinado granjero Ty, debe humillarse ante el mayor de sus hijos, que abandonó el campo y se casó con una mujer rica, para pedirle dinero. Y luego ver como sus otros hijos dilapidan ese dinero en alcohol y fiestas.

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Detalles:

El actor que interpreta al albino, es Michael Landon (el ángel de Autopista hacia el cielo).

Cuando el granjero Ty visita la casa de su hijo en la ciudad, se queda fascinado por algo que cuelga en la pared, un cuadro. Tras quitarse el sombrero de paja con respeto, exclama: – Mirad, es como una ventana.

La escena del baño, en la que la “Dulce Jill”, desnuda en su bañera, obliga al patético enamorado Pluto a acercarse con los ojos cerrados para bombearle agua, llevó al director a los Tribunales acusado de obscenidad. Es la escena álgida de una película con una latente pulsión sexual.

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Vacaciones en Roma

VACACIONES EN ROMA (1953 William Wyler)

http://www.filmaffinity.com/es/film646581.html

Con Audrey Hepburn y Gregory Peck.

Es una historia de amor entre una princesa y un plebeyo; lejos de las cursilerías de hoy en día, la película muestra las artimañas de un paparazzi para lograr un reportaje en exclusiva (¿alguien creía que los paparazzi nacieron con Lady Di?)

La película fue rodada en Roma, en exteriores. Algo que hoy en día no tiene nada de raro, pero en la época era toda una aventura (y un riesgo).

Detalle freak: en la recepción final que la princesa hace a los periodistas se presentan uno del ABC de Madrid y otro de La Vanguardia de Barcelona (¡ojo!)

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Con un ensayado aspecto de institutriz estirada y represiva, Edith Head fue la diseñadora de vestuario más famosa de los años dorados de Hollywood.

Fue una de las impulsoras para la creación de un premio OSCAR para el vestuario, el primer año que lo instauraron, no ganó. Pero a lo largo de su carrera, se llevaría 8 estatuillas (una por VACACIONES EN ROMA)

Detalle freak: Si habéis visto la película de animación LOS INCREIBLES os recordará a http://mocoloco.com/art/archives/edna_mode_head_feb_05.jpg en un simpático guiño-homenaje.

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Dalton Trumbo escribió el guión de VACACIONES EN ROMA pero estaba en “las listas negras” (sospechoso de comunista y otras “peligrosas” ideas) y su trabajo era vetado.

Tuvo que recurrir a pseudónimos o a colegas que ponían su nombre a los guiones de Trumbo, para que las películas pudieran ser rodadas y distribuidas (los cines no adquirían películas de gente “sospechosa”, por miedo).

Dalton Trumbo escribió y dirigió una película antibelicista y a favor de la eutanasia, realmente perturbadora JOHNNY COGIÓ SU FUSIL.

Detalle freak: el 1957 el OSCAR al mejor guión fue para la película THE BRAVE, escrito por un tal Robert Rich, que no se presentó a recogerlo.

Era un pseudónimo de Dalton Trumbo.

El OSCAR le fue entregado, finalmente, ¡18 años más tarde!

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El director de VACACIONES EN ROMA, William Wyler nunca tuvo un estilo de películas que lo identificase (como Hitchcock, o Capra), pero era capaz de rodar con éxito aplastante superproducciones como BEN-HUR y películas intimistas y psicológicas con apenas dos personajes como EL COLECCIONISTA.

Era un director perfeccionista y muy cuidadoso.

Entre sus “otros” éxitos, está haber lanzado al estrellato a Audrey Hepburn en VACACIONES EN ROMA, y haber dado una oportunidad, como secundario, a un tal Humphrey Bogart en DEAD END(1937)

Detalle freak: William Wyler entró en el cine por enchufe. Su madre era prima del fundador de los Estudios Universal. Wyler se convirtió en director de cine a los 23 años.

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Hay dos personajes, en la extensa y variada filmografía de Gregory Peck, que aún no pudiendo estar más alejados entre sí, no pueden tener otro físico ya, que el de Gregory Peck.

Atticus de MATAR A UN RUISEÑOR y el Capitán Ahab de MOBY DICK.

Dos extraordinarias películas, que uno debe ver para aspirar a ser humano.

Convencido del éxito de su compañera de reparto, Audrey Hepburn, en VACACIONES EN ROMA exigió que el nombre de la actriz apareciera al inicio del film, junto al suyo. No se equivocó, Audrey ganó el OSCAR.

Detalle freak: En la película EL CABO DEL MIEDO (1962 Lee Thompson), Gregory Peck hace de bueno. Scorsese, cinéfilo donde los haya, le guardó el papel de abogado del malo en su versión de EL CABO DEL MIEDO de 1991 (esa de Robert DeNiro diciendo aquello de: “¿abogaaado? ¿Dónde estás abogado?”)

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La bailarina y actriz (galardonada en teatro y cine) Audrey Hepburn debutó (para Hollywood) en VACACIONES EN ROMA, con una expectativa tal, que antes incluso de estrenarse la película, Audrey fue portada de TIME.

Inmortal icono de la elegancia de la mano de Truman Capote y Blake Edwards para su BREAKFAST AT TIFFANY’S mostró más interés por las causas de UNICEF, que en el mundo festivo y glamouroso de Hollywood.

Detalle freak: Para el vestuario de SABRINA se contrató al diseñador Givenchy, al que se le dijo que vestiría a “Miss Hepburn”. El modisto empezó a idear trajes para la Hepburn que conocía (Katharine Hepburn: alta, de facciones duras y un torbellino de mujer). Cuál fue su sorpresa cuando se le presentó una actriz pequeña, delgada, y de aspecto frágil (Audrey Hepbun). Tuvo que rehacer todos los diseños.

Antes de VACACIONES EN ROMA propusieron a Audrey cambiarse el apellido, para evitar estas simpáticas confusiones, a lo que ella se negó.

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I cover the waterfront

Claudette Colbert es la principal atracción del film I COVER THE WATERFRONT (James Cruze; 1933).

Un periodista que cubre la información del puerto, está empeñado en desenmascarar a un brusco pescador que se dedica al tráfico de personas. Para conocer sus secretos, el periodista seduce a la bellísima hija del pescador, pero cae en las redes del amor, y cuando ya tiene su noticia se percata que está enamorada de ella. El verdadero conflicto pero, lo tiene ella entre el amor por el chico y la lealtad a su padre.

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A día de hoy, la película es políticamente incorrecta.

El pescador parece ayudar a inmigrantes chinos a entrar a Estados Unidos. Resulta chocante que los lleve encadenados y amordazados. Y que cuando aparecen los guardacostas, los lance al mar.

No es una actitud definitoria del “malo”: el protagonista se presenta a la redacción de su periódico con el cadáver envuelto en una alfombra, y lo deja sobre la mesa de su director, como quien deja una caja de sandías.

“Los chinos” a los que se refieren los personajes de la película son tratados como se trata la droga en TRAFFIC (y quizás la droga salga más bien parada).

Mención aparte merece la escena clave: una versión de Job y la ballena.

Es tan increíble, que hasta podría haber sido real.

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El mejor momento:

El periodista se presenta en una playa para investigar la siguiente noticia: una muchacha se baña desnuda. La chica aparece desnuda (detrás de una oportuna roca) y se produce este (atemporal) diálogo.

– Ha habido quejas, que se baña usted desnuda.
– ¿Quejas? ¿De quién? Si aquí no hay nadie.
– ¿Ve aquella casa de allá arriba? Con unos prismáticos es como si estuviera aquí.
– (Mira a lo lejos) Seguro que se ha quejado una mujer.
– Claro, un hombre no hubiese dicho nada.

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Harry Potter y la cámara secreta

(2002) dirigida por Chris Columbus. Guión de Steve Kloves

La segunda película de la saga la vi, para mi desgracia, por televisión. En un canal que no ofrecía la posibilidad de verla en versión original. No es que sea un quisquilloso de la V.O.S, pero aquí el trabajo de los dobladores de dos personajes (Hermione y muy especial Ron) es simplemente NEFASTO.

La voz de Ron parece la de un atontado cansino. Inexpresivo y molesto.

La historia, la más floja de la saga, no se salva en la película, que tan sólo toca los nudos importantes por encima. Todo queda bajo la impresión de estar sujeto por la fama de los libros o por la propia corriente de Harry Potter como marca a vender.

Actores

De los nuevos, dos sonrisas:

Kenneth Branagh, nos ofrece una simpática e histriónica personificación de Lockhart, el fantoche guaperas; brilla en especial en el duelo contra Snape. Un buen actor que cumple, sin aparente esfuerzo, con su personaje, reducido en la película a un papel bastante secundario.

Dobby. Pues sí. No soy muy propenso a los monigotes creados por ordenador, y sinceramente me esperaba un esbirro mal diseñado de obligada aparición, pero reconozco que tiene su personalidad bien definida y resulta consistente.

De los nuevos, cosas raras:

Lucius Malfoy parece sacado de un disco de Rhapsody o Hammerfall. Una guitarra eléctrica o un bajo le serían más normales en sus manos que la varita o el bastón de alta nobleza que lleva.

Los padres de Ron. Extraños los dos. Me esperaba un señor Weasley más gordito, más calvo y más humano; queda reducido a un mero funcionario con apenas dos frases. A la madre Weasley le falta, precisamente, la maternidad. No convence como madre de su prole y casi adoptiva madre de Harry.

Los conocidos:

El trío maravilla: Harry-Hermione-Ron

Los tres demuestran tener más controlado su personaje y se mimetizan más con él. Aquí ya sí que Daniel, Emma y Rupert son –respectivamente-, Harry, Hermione, y Ron.

Snape. Hay dos o tres momentos, en que ese fenómeno llamado Alan Rickman devora la pantalla con su verborrea. Una fuerza extraordinaria te desvía la mirada cuando aparecen “los profesores”, y lo buscas, y te das cuenta que por encima de lo que ocurre, estás buscando –y esperando-, la frase, el rostro de Snape.

Dumbledore. Sigo en mis trece y no bajo de mi burro. Richard Harris no me convence.

Fred y George (muy creciditos los dos) quedan reducidos a penas dos momentos, y su rutilante –y en el futuro odioso- hermano Percy, completamente eclipsado.

A diferencia del libro, en las dos películas que llevo de Harry, percibo que el actor que encarna a Draco grita por salir, por tener más protagonismo y para regodearse en su maldad –es lo que hacen los malos-, pero la camisa de fuerza que le impone la autora, le impide explotar. Su peinado no se altera ni cuando se estampa contra el suelo del campo de quidditch.

Hablemos de Ginny

Cuando el personaje protagonista del núcleo de la historia apenas aparece, apenas tiene texto, y su mayor logro es despertarse tras un desmayo y confesar haber sido manipulada, ni la mejor actriz podría lograr darle demasiada vida. Ginny está porque debe estar. Y la actriz –sin parecer una Weasley-, dice lo que debe decir. Sin que su actuación nos diga nada.

¿Y Tom Riddle?

Surgido de las páginas –literal- del diario. Tom es un tipo sin personalidad alguna. En la saga no será hasta dos o tres libros más tarde –y muchas sesiones de pensadero- en que nos encontraremos con la amplitud –y complejidad-, del chico que de mayor será Lord Voldemort.

Instantes flojos:

El coche volador. Hay mucha diferencia entre leer acerca del vuelo en el coche, y ver –lo ridículo, y casi de Mary Poppins- el dichoso coche volador en la pantalla.

Aragog y las arañas. “Sigue a las arañas”, y uno intuye que seguir a una araña es algo muy lento, pero la concentración de arañas que aparecen en la escena, es tan descabellada, que parecen secuencias extra de películas de terror con bichos.

Ese basilisco. La lucha contra la serpiente del water es una parte atrayente de la novela. Aquí, se resuelve con demasiada facilidad y sin que el peligro del bicho llegue a ser palpable.

El mejor momento de la película es la secuencia del club de duelo. Desde que arranca con el enfrentamiento Snape-Lockhart, el posterior Malfoy-Potter, y su final, con los dotes lingüísticos de Harry con el lenguaje de las serpientes.

La impresión final es que ni el más flojo de los libros de la saga encaja bien, y del todo, en su traslado a la gran pantalla. Eso sí, resulta bastante entretenida.

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Ingmar Bergman

“Venga Bart date prisa, nos vamos al cine, tu madre nos lleva ver una película del sueco ese de los siete sellos” Homer Simpson.

Esta cita pertenece al segundo episodio de la primera temporada de Los Simpsons (Bart, el genio). Debió de ser ésta la primera vez que tuve conocimiento de Ingmar Bergman. Claro esta que en su día no entendí el chiste.

Supe de él por otros. Lejano, difuso, hermético, Bergman era un GRAN director sueco, cuyas películas nunca se emitían por televisión. Lo primero que pensé, fue que debía tener algún parentesco genial con Ingrid Bergman (sueca, actriz); resultó que no. Woody Allen parecía admirarle mucho, y los humeantes tertulianos de José Luis Garci en Qué grande es el cine hacia mención a él a menudo. Parecía una figura intocable, perfecta y casi irreal.

No vi una película de Bergman hasta el verano del 2005, durante un breve ciclo que hizo La2 de TVE. La primera fue El séptimo sello.

No me gustó.

Tampoco la entendí (creo que casi nunca he entendido una obra escrita o filmada, y mucho menos pintada o compuesta).

En El séptimo sello, descubrí escenas que “otros” a posteriori habían copiado. Me impactó ver a Max von Sydow, a quien conocía de mediocres películas americanas, asumiendo el reto de un protagonismo tan aislado. Su confesión, en la película, con la Muerte, me resultó inquietante, más que la partida de ajedrez. Tuve la impresión que nadie más mostraba gente angustiada por aquellos temas, y de un modo serio y frío. Eso me hizo pensar en unas palabras de Isabel Coixet, que dijo algo cómo “de joven iba al cine a ver Bergman, y salía con ganas de suicidarme”.

La ambientación de la historia, ayudó a formar en mí la estampa de algo antiquísimo. Tanto, que cuando después me enteré que Ingmar Bergman aún estaba vivo, le atribuí unos mil años.

Fresas salvajes, me encantó. Ahí ya hubiese firmado “Bergman qué gran talento”. Le siguieron El rostro y Como en un espejo, entonces ya las contemplaba con interés, consciente que me perdía la mitad de lo que pretendían mostrar, pero siempre fascinado por alguna cosa. Había diálogos de una crueldad tan sincera que tan sólo podían ser sinceros pensamientos. Cosas que uno piensa –secretamente-, pero que no osa decir. Aquellos personajes, a veces perdidos y descorazonados, emitían palabras de una contundencia tan impactante, que si se hubieran disparado no se hubiera hecho más daño.

Por aquél entonces ya había visto dos de las obras de Allen más cercanas a Bergman: Setiembre y Interiores me parecía que “el alumno” había llegado a limar, y a hacer más digerible, algunas de las mismas ansias y angustias del maestro.

Hasta que el 6 de agosto de ese 2005, topé con Secretos de un matrimonio.

Esa… esa cosa, estaba por encima de la ridícula etiqueta de “película”, por encima de la definición de “obra maestra”. Aquello iba mucho más allá de cualquier cosa que este humilde idiota hubiera podido ver e imaginar jamás. La vida, la vida de una pareja de seres humanos, con todas sus contradicciones, auges y caídas, están ahí, expuestas.

¿Cómo un tipo puede sentarse y escribir algo así?

¿Y cómo puede, luego, manipular un equipo de gente, actores y técnicos, para representar aquello?

¿Cómo?

Al acabar de verla, tuve la sensación que ya podía morirme. Que nada podría superar aquello (a día de hoy, aún no he visto nada que lo supere).

Ingmar Bergman acababa de destrozar cualquier ranking de películas, directores y análisis del ser humano que hubiese podido hacer. Se había salido. Era otra cosa.

Bergman era Dios.

Acabo de terminar la lectura de sus memorias, escritas en 1986, LINTERNA MAGICA, un irregular libro, en cuyas páginas leeremos mucho de lo que ya hemos visto en sus películas (él mismo, remite peleas matrimoniales a escenas de sus películas). Un libro en el que he descubierto que, al igual que el Homer “inventor” estaba fascinado por Edison, y Edison por Davinci, Bergman lo estuvo, desde sus lecturas adolescentes hasta el final por el dramaturgo Strindberg. Un libro de memorias de un tipo egocéntrico, tiránico con “sus familias”, y aquejado de eternas dolencias psicosomáticas –retortijones intestinales y vomitonas a destiempo-. Un libro que me ha humanizado, hasta extremos vulgares a esa figura, casi divinizada, que usó, y rehusó, su vida para su arte. Un libro que no es el libro de un cineasta, sino el libro de un ser que amó profundamente… ¡el teatro!

A Bergman la cultura, la lectura, se le nota en su trabajo, enumera sus lecturas adolescentes: Dostoievski, Tolstoi, Balzac, Defoe, Swiff, Flaubert, Nietzche y siempre Strinberg. Y añade, reconociendo que “a menudo no entendía nada”.

Un par de pasajes del libro:

“si por un momento levantase la máscara y dijese lo que realmente pienso, mis compañeros de trabajo se volverían contra mí, me harían pedazos y me tirarían por la ventana […] A pesar de la máscara no estoy disfrazado. Es un filtro. No debe dejar pasar nada de la esfera privada que no venga a cuento.”

“Me lanzo contra los demonios con un método que me ha funcionado en crisis anteriores: divido el día y la noche en unidades de tiempo determinadas y lleno cada una de ellas con una actividad o un momento de descanso establecido de antemano. Sólo cumpliendo implacablemente mi programa, día y noche, puedo defender mi cerebro de unos dolores tan violentos que llegan a ser interesantes. En pocas palabras, recobro la costumbre de planificar minuciosamente mi vida y ponerla en escena.”

Y unas citas que describen un carácter:

“Mostrar las calamidades privadas en el trabajo es una falta profesional grave.”

“La posibilidad de abandonar un proyecto ha de dar coraje para continuarlo.”

“Paciencia y buen humor, reír en lugar de reñir.”

“Sólo el que está bien preparado tiene la posibilidad de improvisar”

“Empezaba a oscurecer sin que yo viese la oscuridad.”

“El miedo realiza lo temido”

Y un destello de humor en el hospital:

“Una tarde le pregunto al amable médico si alguna vez en su vida ha curado a una sola persona. Reflexiona circunspecto y me contesta: “Curar es una palabra muy seria”, después mueve la cabeza y me sonríe para animarme”.

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Psicosis II, el regreso de Norman

La primera consideración es que la película no es tan mala como uno pueda imaginar.

Hasta se puede considerar de original vuelta de tuerca, si uno la compara con la fotocopia que Gus Van Sant hizo de la PSICOSIS de Hitchcock. Aquí al menos, hay algo nuevo.

La película arranca con el asesinato más famoso de la historia del cine. Sí, el acuchillamiento en la ducha de PSICOSIS. Luego el film adquiere color, y se nos presenta un Norman doce años después (aunque la película es de 23 años después).

Anthony Perkins y Vera Miles, repiten personaje; él, como el trastornado Norman Bates, y ella, como la hermana de Janet Leight.

Robert Loggia, es el doctor-amigo de Norman. Dennis Franz, es el actual director del motel Bates. Y Meg Tilly es… pues la atracción del film.

Meg Tilly sospechando algo

Norman empieza a trabajar en una cafetería, allí conoce a una morena –y extrañamente atractiva– camarera (Meg Tilly). Ella ha roto con el novio y como hace poco que está en la ciudad, no tiene donde dormir. Norman la invita a su motel. Allí conoce al nuevo director que ha convertido el lugar en un decrépito sitio con habitaciones alquiladas por horas, para parejas furtivas y drogadictos impacientes. Norman le despide, e invita la chica a pasar la noche en la casita del monte. ¡Glup!

Meg Tilly en la ducha (obviamente hay ducha)

Meg Tilly salida de la ducha (ella, sí sale)

El guión tiene dos giros sorpresa. El primero es realmente interesante, me gustó. Nos muestra al pobre Norman como un ser atormentado, al que aún atormentan más. ¡Norman es (ahora) inocente!

El segundo, parece sobre el papel sacado de un culebrón. Es una solución fácil, pero que permite dos cosas: primera, dejar cabo suelto para una tercera parte (que la hay), y segunda, acabar la película donde podría empezar la primera. Eso es: un Norman libre, director del motel, y con su madre en la ventana, observando.

El protagonismo del film se lo reparten a partes iguales, Norman Bates y su madre (y no es un juego de palabras con su doble personalidad). La madre de Norman aparece realmente en esta película. En realidad, aparecen hasta cuatro madres.

Meg Tilly, como madre de Norman (no se ve, pero trae cuchillo)

Anthony Perkins no logra hacer tanto yuyu en color, como hacía con la fotografía en BN. Se nos ha humanizado, aunque tiene algún momento realmente perturbador: descuelga el teléfono y habla con su madre, cuando le han colgado, él sigue hablando con su madre.

La película sigue ideas y copia planos de la primera versión: el punto de vista aéreo por encima de las escaleras, el ojo en el agujero en la pared, la dichosa bombilla del sótano. El límite entre el homenaje y el plagio es sutil, pero gracias a la fotocopia de Gus Van Sant, aquí, se eleva a la categoría de homenajes.

Meg Tilly ve que la observan

Necrológica: en la película mueren 6 personajes. Si le vais a coger cariño a alguno, os recomiendo el sheriff, que ese sí que al final está vivo.

P.S. Debido a mi enamoramiento repentino de esta chica, he surfeado, y descubierto que es la hermana de Jennifer Tilly (mismo apellido no tiene porque equivaler a familia: Bergman, por ejemplo). Jennifer es LA NOVIA DE CHUCKY (la guapa era la muñeca, no ella XD)

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Harry Potter y la piedra filosofal

(2001) dirigida por Chris Columbus. Guión de Steve Kloves

Harry Potter y la piedra filosofal es una película entretenida y bella, visualmente bella. Cuanto más grande es el momento, más bello es: la llegada a Hogwarts, la entrada en el gran comedor, el campo de quidditch. Luz, color, vida, lo que el libro narra, aquí se muestra. Y a menudo una imagen vale más…

Es una película que hay que ver habiendo leído el libro, no sólo por el tópico “el libro es mejor”, sino porque en el libro HAY una historia. No sé que impresión causará en quien no conozca nada de la trama, quizás una impresión pobre. Mi percepción fue, no sólo que la historia está mutilada y cosida con más o menos acierto, sino que la película va dando saltitos por la trama, procurando tocar los puntos clave, pero sin poder alcanzar y recubrir la narración en sí.

Hay un flashback (Voldemort atacando a la madre de Harry) que aparte chirriar, es del todo innecesario.

Los actores

El trío Harry-Ron-Hermione

En ningún momento están más monos que en las portadas del disco.

Una vez metidos en la película, el Harry me parece correcto, sin aspavientos, con coraje pero tímido acorde con su personaje.

La Hermione resulta de entrada más estirada que su original en papel, demasiado reducida a “libros e inteligencia”, aunque su rostro de incredulidad o de falsa modestia –con un punto de superioridad-, me agrada.

Ron Weasley, hacía tiempo que no veía un actor con una capacidad de expresión facial tan peculiar como este chavalín; no tiene dos escenas en que su cara esté igual. También lo han reducido bastante, a “el amigo graciosote”, y es una pena.

Aciertos y desacuerdos.

Alan Rickman (he investigado) borda un Snape que sin apenas mediar palabra, atrae mi atención como un imán; fascinante. McGonagall, estirada profesora, está estupenda también. Atrayente también la profesora de vuelo con escoba. Hagrid es quizás el personaje que supera su original, el actor le otorga algo más que el gran corazón del que le nutre la autora. Los Dursley (especialmente los masculinos) están correctos.

El gran error para mi es Dumbledore. Richard Harris ha interpretado a demasiados malvados en su vida para ofrecer un Dumbledore puro. Está perfecto en su caracterización, pero no tiene corazón. Le falta la jovialidad, la chispa del Dumbledore del libro.

Fred y George quedan reducidos a dos gemelos pelirrojos.

Draco Malfoy peca de la simplicidad que le otorga la autora, y sin añadir nada, aquí es un tópico malo, y encima engominado.

Desaprovechado el estupendo John Cleese (Monty Phyton) para dar vida –es un decir-, al fantasma Nick-Casi-Decapitado.

Y a excepción de Neville, los demás compañeros de Harry quedan eclipsados (este defecto ya viene del libro).

Los efectos especiales, siguen siendo efectos especiales. El malvado Trol parece un chiste. El quidditch se vuelve confuso y mareante. Y las caídas de las escobas o los vuelos alocados no muestran otra cosa que un Harry hecho por ordenador.

Pero todo esto es mirar con lupa, una reflexión fría. La película, en su primer visionado, simplemente me hace sonreír, por ver todo aquello que “ya conozco”. Me cautiva en muchos momentos, y me entretiene durante su largo metraje.

Chris Columbus cuenta, en el segundo DVD –material extra y demás-, que no pretendían adaptar el libro y ser originales, sino ser fieles al máximo. Como idea, se agradece, y más en un época en que poca gente puede aportar algo interesante y propio a una historia ya existente. En este segundo DVD resulta cansina la presencia del productor, cuyo nombre no me molesto en buscar, con unos aires de David O. Selznick que recuerdan que Harry Potter para él, no es otra cosa que una marca que hay que vender.

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