Eneatipo

Tras realizar un test, y pasarle la respuesta a /alhy, y tras meses y meses de arduo trabajo investigador :D. Me ha pasado los resultados.

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5 con ala 4:

El iconoclasta Sano: se combinan la curiosidad y la facultad perceptiva con el deseo de expresar una visión personal única. Estas personas son más emotivas, introspectivas y creativas. Buscan un espacio que no haya sido explorado por otros, algo que pueda ser verdaderamente propio. Sin orientación científica, suelen ser solitarios creativos que combinan la pasión con la objetividad. Son caprichosos e ingeniosos: sus trabajos de bricolaje pueden llevar a sorprendentes innovaciones. Quien dice bricolaje dice (inserte el name de su pasión aquí) __ESCRITURA Ò_Ó_____ .

Con frecuencia atraídos por las artes, usan más la imaginación que las partes analítica y sistemática de su mente. Medio (o moderadamente) neurótico: Aunque en primer lugar se identifican con su mente, las personas de este subtipo se ven ante fuertes sentimientos que podrían crearles dificultades para continuar sus tareas y para trabajar con otros. Son más independientes que las del otro subtipo y se resisten a que les impongan estructuras. Sus intereses se dirigen hacia lo surreal y fantástico, que no a lo racional ni a lo romántico: es fácil que queden absortas en sus paisajes cerebrales; suele costarles mantener los pies en la tierra y son poco prácticas en la consecución de sus intereses. Es posible que se sientan atraídas por temas misteriosos o prohibidos o por lo perturbador y grotesco.

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^.^ Ese soy yo

En algunas cosas si que estaría de acuerdo.

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Hermanas en la vida

El documental Schwestern im Leben (Germanes en la vida / Hermanas en la vida) es peculiar: Reúne a tres actrices escandinavas, conocidas, amigas entre sí y compañeras de rodaje en más de una ocasión.

Liv Ullman http://us.imdb.com/name/nm0880521/

Bibi Andersson http://us.imdb.com/name/nm0000761/

Ghita Norby http://us.imdb.com/name/nm0639152/

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Bajo una ventada peligrosa, las tres mujeres ponen sobre la mesa de madera de una casita cerca del mar, recuerdos de su vida: fotografías de su juventud, de sus padres, y reflexionan –aparentemente con absoluta sinceridad y ajenas a la cámara- acerca de sus vidas, sus ilusiones de juventud, sus filmografías,…

Pasean por el puerto, deambulan por la casa, o van a comprar cuatro cosas para preparar una cena de circunstancias, y hablan de los tabú de su juventud y el sexo, cómo ha evolucionado su creencia en el amor, y sus puntos de vista respecto a la muerte.

El cineasta sueco Ingmar Bergman, seria el cuarto personaje del documental. No aparece, pero se le menciona con frecuencia (imposible no hacerlo teniendo en cuenta su presencia en el cine escandinavo y las relaciones personales y profesionales que el de Uppsala tuvo con las actrices).

Este no es un documental que cotilleé en la vida de las actrices. Ni aporta secretos del rodaje de las películas que las hicieron populares. Son las impresiones de tres mujeres maduras que han dedicado su vida al arte del cine, que comparten similitudes de origen, de intereses profesionales y diferentes métodos ante la cámara. Es un documental de tres amigas.

Schwestern im Leben

http://us.imdb.com/title/tt0967544/

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Incomprendido

Esta anécdota ya la he contado varias veces:

Yo iba a un peluquero parlanchín que al enterarse que escribía (agh) le dio por interesarse por mi “obra”. Es difícil hablar de lo que escribo, hasta el punto que creo que al hacerlo, lo desmerezco. El caso es que, con las tijeras tras mis orejas, ese buen hombre me expuso su teoría acerca de las historias. (Relatos, novelas, películas,… en el fondo son todo historias).

“Una buena historia, debe tener una introducción, un nudo y un desenlace”.

Este esquema clásico, me pareció cruel. Un molde para el que la mayoría de mis “cosas”, era extraño. Si aquello era lo bueno, lo mío era ¿malo? Decidí cambiar de peluquero.

El teatro suele tener este esquema. Shakespeare (escoged la que queráis) tiene este esquema. Y luego está Strindberg. Eso no tiene final… no hay final al caer el telón. Cae porque tiene que caer, pero la cosa, la historia, podría seguir (y sigue, aunque no la veamos). Todo el mundo conoce Shakespeare, aunque no lo hayan leído nunca. Hasta hace dos meses no tenía ni idea de quien demonios era Strindberg. Quizás no significa nada… o quizás sí.

Hace poco colgué por ahí un texto que me parece ingenioso y bueno. Era de uno de mis temas recurrentes: el asesino cotidiano. Un ser humano de lo más normal y corriente, que comete atroces actos. El texto arrancaba con el abuso del cuerpo de una chica (a la que acababa de matar), y enseguida saltaba a su vida conyugal, una vida de pareja compenetrada y feliz. Incluso me permití un chiste macabro.

Es bien cierto que cada lector lee su propio libro, su propia historia. Y que muchas veces no tiene mucho que ver con lo que el autor escribe (y ya no digamos con lo que el autor tiene en la cabeza).

Las reacciones a mi texto fueron de lo más dispares. Algunas realmente asombrosas. Alguien me comentó incluso que le parecía original la charla con el bebé. ¿Qué bebé? Ò_Ó

Ni por temas, ni por estructura narrativa, lo que escribo será nunca demasiado popular. Melusina decía que yo siempre buscaba temas escabrosos y truculentos, y que eso apartaba a “la masa” de lectores. Y Darthpitufina sigue manteniendo que para mucha gente “la muerte” es un tema tabú, incluso en relatos de poca monta. Un editor soltó en una entrevista: “El recuerda que vas a morir, no vende”. Pues estamos apañados.

Estas dificultades (aparte de las neuras propias), me llevan a menudo a la sensación de incomprensión. Y más aún, en si debería esforzarme en intentar hacer entender mis cosas. Es decir: explicarlas. Si mis textos son juegos de magia, explicarme sobre ellos equivaldría a enseñar el truco. Pero si el único fin de escribir es salirse de uno mismo y encontrar comprensión, ¿qué futuro espera, si el mensaje recibido por el lector es erróneo?

Como siempre, en caso de dudas, acudo a mis Maestros.

Kubrick jamás daba ruedas de prensa para hablar de sus películas: “Lo que tengo que decir sobre la película, está en la película.” Algo semejante decía Sir Alfred, cuando un actor le preguntaba acerca de su personaje: “Lo que tiene que saber está en el guión”. ¿Y la motivación?, preguntaba el actor, a lo que el ingenioso Hitchcock le respondía: “la motivación debe buscarla en su sueldo”.

Quizás fuera Goethe que decía: “Hablar sobre escribir, es no escribir. La gente que escribe no tiene tiempo para hablar de lo que va a escribir o de lo que ha escrito, está escribiendo.”

Touché

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Suspiro

Suspiro

Al despertar temprano intento levantarme.

Salir ahí fuera y hacer… cualquier cosa.

Pero no puedo

Al despertar, un vacío dentro me lleva a ti

¿Cómo seria darme la vuelta y encontrarte allí?

¿Cómo seria sentir el calor de tu cuerpo bajo las sábanas?

Y ¿adentrarme en la tierna humedad de tus labios?

¿Y desfallecer de placer dentro de ti?

Algún día. Palabras tan improbables como el pensamiento real de la propia muerte.

Pero la muerte es segura.

Lo único seguro

Lo único a lo que cada día que me levanto me voy acercando

Y todo lo demás, vacío.

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El fantasma de la Ópera, de Darío Argento

¡Qué decepción!

¿Cómo es posible que uno de los maestros del cine B, recreando el mito del monstruo subterráneo, nos componga un personaje así?

En la novela de Gaston Lerroux, Erik, el fantasma, es un ser cuyo rostro es tan atroz que su propia madre abandona, que debe vivir detrás de una máscara, ¡es el rostro del espanto!

Darío Argento le otorga el papel a Julian Sand, y le pone una peluca de una larga melena rubia. El resultado es una especie de precursor de Lucius Malfoy (link) o de músico de heavy metal escandinavo.

¿Dónde queda el rostro desfigurado, símbolo inequívoco del fantasma? Lon Chaney, en la versión muda de 1925, con su tortura de alambres que le estiraban los labios y la nariz, mostraba, aún hoy, un rostro francamente desagradable a la vista.

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Aparte de cuatro nombres de personajes, que la acción transcurre en un teatro (y sus sótanos) y que aparecen: un espejo, una charca subterránea, una araña que se desprende, y varios hombres ataviados con capas, del Fantasma de la Ópera de Lerroux no queda nada. De “fantasma” tampoco, pues no hay ni un solo incidente en los 95 minutos que tenga nada de paranormal. Enseguida vemos que es un hombre, alto, rubio y guapo (¿perdón?) quien asesina, amputa, mutila y muerde cual vampiro.

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Un título más acertado seria: “El tipo de las ratas”. Porque de esto trata la película.

Un niño es lanzado al río en una cesta y es salvado por unas ratas que lo crían hasta la edad adulta (¿cómo dices?). De adulto, viviendo en los sótanos del Teatro de la Ópera, se enamora de una cantante suplente, y hace todo lo que está en sus siniestras manos para allanarle el camino del éxito. Tras llevarla a sus dominios y enseñarle su órgano (literal y metafórico) la obliga a vivir con él, es esa atadura, ese compromiso lo que hace que la chica huya y recorra a un pretendiente para que la salve. Pero, ¿de verdad quiere ser salvada del “monstruo”?

Otro título ingenioso para la película podría ser:

El “fantasma” de Darío Argento. Así, con fantasma entre comillas. 😀

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Darío Argento otorga el rol de la joven cantante ingenua, Christine Daaé, a su hija. Asia Argento de ingenua tiene poco, y de cantante de ópera menos. Resulta casi cómica verla fingir el canto, ahogándose en el Fausto. Asia, siempre tan solícita con su padre, nos enseña su trasero y sus pechos.

Es de esperar, como en toda película de “terror B”, una buena dosis de tetas, gritos desgarrados, chorros de sangre, decapitaciones accidentales, y otras mutilaciones sin sentido alguno. Aparte de gran cantidad de animalillos sueltos: aquí son ratas.

Esperaba, lo reconozco, un fantasma de rostro realmente deformado. Un auténtico espanto a la vista. Hubiera sido mejor, más terrorífico al menos, que el propio Darío Argento prestase su cara al fantasma, al ser, como es, un tipo cuya mayor virtud no es un rostro demasiado agraciado (nada que ver con la nínfula de su hija).

Añadir, finalmente, que el ecléctico compositor Ennio Morriconne compone y dirige la banda sonora.

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Pobre Cabrón

Bajo el acertado título de POBRE CABRON, se recogen los desvaríos autobiográficos de la serie PEEPSHOW escrita, dibujada, y protagonizada por Joe Matt.

El personaje Joe Matt es un dibujante de cómics muy aficionado a la pornografía y con un ideal de mujer tan idealizado que le hace rechazar cualquier mujer con la que se cruza (lo cual no implica que no se muera por acostarse con ella).

Joe Matt quiere lo que no puede tener, se arrepiente de lo que ya ha perdido, y no sabe valorar lo que tiene. Es simple, egoísta hasta la desesperación, bastante guarro, insensible, inseguro, inestable, y amargado.

Sin duda, el personaje más digno de odio de su propio cómic.

¿Entonces, por qué entonces atrae al lector?

Por la misma razón que adoramos al patético perdedor de Georges Constanza de SEINFELD, o al neurótico egocéntrico que suele interpretar Woody Allen. Porque su simplicidad, su egoísmo, y su atracción desmesurada (y habitualmente castrada) por el sexo opuesto, es algo tan humano, que cuando alguien tiene el valor (o la insensatez) de mostrarlo sin tapujos, nos vemos –aterradoramente- reflejados. Yo no soy Joe Matt. Ni el propio Joe Matt es como se dibuja, pero él, yo, y cualquier lector medianamente sincero consigo mismo, tiene en su interior un pequeño “pobre cabrón”.

POBRE CABRON es una maravilla de cómic. A 6 viñetas por página, con un esquema que parece de libro, la historia se desarrolla con un gancho tal, que la obra se devora de un tirón. Sin riesgo de empacho, el ingenioso guión, los divertidos diálogos, las lúcidas reflexiones que se desprenden atrapan, y te arrastran en la espiral de la vida de anhelos y fracasos del protagonista.

Joe Matt, el autor, es miembro de la editorial Drawn & Quarterly junto a Seth y Chester Brown (a quien Joe Matt dedica la obra, y que aparecen en las páginas del cómic; Seth como su mayor confidente).

Como dijo alguien más sabio: “Es centrando toda la atención en algo individual que se muestran los rasgos más universales.”

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La pequeña tierra de Dios

God’s Little Acre

(Anthony Mann; 1958 )

El día que se casó, el granjero de Georgia, Ty Ty Walden (Robert Ryan) marco con una cruz “el acre de Dios” (una porción de tierra cuyos cosechas serian para Dios, para la Iglesia).

Ty ha abandonado las cosechas… desde hace quince años, con ayuda de dos de sus hijos, cava en sus tierras en busca del oro que enterró el abuelo.

Un amigo le comenta que la mejor forma de encontrar oro enterrado es usar las facultades especiales de un albino. Ty y sus hijos secuestran uno. Sin saber cómo, el albino parece encontrar el filón, y se dirige a toda prisa hacia “el acre de Dios”

Seria mala suerte que tras quince años de búsqueda, Ty tuviera que entregar el oro a Dios, así que, antes que el albino se detenga, el granjero arranca la cruz que señala la porción para la Iglesia, y la clava en el río.

Éste es el arranque de una irregular película que contiene mucha más calidad y talento que lo que la primera media hora parece mostrarnos.

Esa familia rústica, de primitivos instintos, con su concepción religiosa elemental, llega a resultar cargante y hasta molesta. El personaje de Pluto, un gordinflón que persigue patéticamente a la pequeña de las hijas del granjero (“Dulce Jill”) es quizás el punto más bajo de una película que cuando no parece dar más de sí, empieza a dejar entrever unas palpitaciones de gran talento.

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Una pareja se ama con pasión pero están casados (no entre sí), y enlazados en la misma familia, lo que les obliga a rechazarse, a frenar sus instintos, pero por más que quieran alejarse, algo más fuerte les mantiene unidos. Sus respectivas parejas, que se toman con resignación o rabia este amor, notan que se les escapan de las manos y todo son reproches, celos, y amenazas.

La fábrica del pueblo cierra y el desempleo lanza al alcoholismo a los trabajadores. Uno de ellos tiene el sueño de entrar a hurtadillas en la fábrica y encender de nuevo las máquinas (como si esta pequeña victoria les devolviese automáticamente el trabajo).

El arruinado granjero Ty, debe humillarse ante el mayor de sus hijos, que abandonó el campo y se casó con una mujer rica, para pedirle dinero. Y luego ver como sus otros hijos dilapidan ese dinero en alcohol y fiestas.

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Detalles:

El actor que interpreta al albino, es Michael Landon (el ángel de Autopista hacia el cielo).

Cuando el granjero Ty visita la casa de su hijo en la ciudad, se queda fascinado por algo que cuelga en la pared, un cuadro. Tras quitarse el sombrero de paja con respeto, exclama: – Mirad, es como una ventana.

La escena del baño, en la que la “Dulce Jill”, desnuda en su bañera, obliga al patético enamorado Pluto a acercarse con los ojos cerrados para bombearle agua, llevó al director a los Tribunales acusado de obscenidad. Es la escena álgida de una película con una latente pulsión sexual.

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